I was only joking訳したりとか

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『聲の形』は『裁かるるジャンヌ』だ 00:08

 

 

 

 

 

 

モリッシーの来日公演、ぼくはいかなかったけど

デンマーク出身の映画作家カール・ドライヤー監督の『裁かるるジャンヌ』がステージ後ろのモニターに映っている写真をツイッターで観た。

バスドラムにもルネ・ファルコネッティ演じるジャンヌの顔写真が貼られていた。

 

 

 

 

今から映画『聲の形』について語ろうと思っているけど、何故行ってもいないモリッシーの来日の話をしたのか。

この映画がモリッシーがかつてフロントマンを務めたバンドThe Smithsの曲を思い出させたからだ。

「Bigmouth Strikes Again」と名付けられたその曲は16分で刻まれる鮮やかなギターリフに乗せて大口叩きの男の子の嘆きが歌われている。こういう歌詞がある。

 

今僕はジャンヌダルクの気持ちがわかった

ジャンヌダルクの気持ちがわかったんだ

炎がローマ風の鼻まで届いて

彼女の補聴器が溶け始めた時の気持ちが・・・

 

映画『聲の形』を観はじめて、まず驚愕するのはThe Who「My Generation」が流れるところだ。

ロジャー・ダルトリーのf,f,f,fade away!!という吃った歌声はコミュニケーションの困難さを主題にしたこの映画に、異物感を与えながらもマッチしている。

 

 

しかし、やはりここはSmithsだ。

Whoから思春期の男の孤独という主題を受け継いだバンドの歌だ。

耳の聞こえない女の子と彼女をかつていじめていた男の子との恋物語のなかに、好きな子を言葉で傷つけたことに対して後悔し続ける歌はすっぽりと収まる。

そして、そんな曲の中でジャンヌダルクと補聴器が歌われ、

モリッシーのステージにはジャンヌを題材にしたサイレント映画の名作が映し出された。

これらの事実が示すことはただひとつ。

『聲の形』は現代の『裁かるるジャンヌ』だということだ。

 

『裁かるるジャンヌ』は1928年に公開され、未だに語り継がれている傑作だ。

ジャンヌ裁判の記録を紐解く劇映画。

異常に低い、もしくは高いアングルで撮られた顔のアップ(全員ノーメイク)が特徴的で、

地面に穴を掘り、そこにカメラマンが入って撮影されたという。

クラシカルな題材だが、ハンマーが延々と繰り返し動くシーンだとか画の撮り方にモダンな感性が宿っていて、

同時代のマシーンエイジな工場映像とか無意味さを追求するダダとの共振を感じさせる。

何度観ても刺激的な素晴らしい映画だ。

 

ぼくは最初、『聲の形』をスルーするつもりでいた。

絵的にもテーマ的にも苦手そうだったし。

だが、センスのいい友人が激賞していた。時間もできたし観に行こうと思った。

 

結果的に、僕は泣きまくった。

比喩でも何でもなく物理的に泣きまくった。

主人公の石田に自分を投影する要素が多過ぎるし(加害者意識と被害者意識の混合、羞恥心、中高時代の孤独感)、硝子、結弦、植野、永束、石田母などそれぞれのキャラクターの切実さを丁寧に描いているので泣きのポイントがたくさんある。後半30分、涙を止める隙がなかった。

だけど感動したのは泣けるからだけじゃない。

翌日、もう一度同じ映画を観にいった。

気づいたのは細かい演出の上手さ。冒頭からその後のキーモチーフになる鯉が写されていたり、友人となる永束と石田が出会う前から自転車ですれ違ってたり、花火と傘が時間を置いて二度重要な場面で登場してたり、黄・オレンジ・ピンクの色の並びが何度も描かれたり(硝子のプレゼント、観覧車、屋台の看板、石田と結弦が食べるゼリー)、挙げるとキリがないけどとにかく映画的仕掛けに満ちている。視点の位置や動かし方も見事。大事なシーンで顔を映さないさり気なさやジェットコースターから空に向かう時の開放感が心地よい。足元と草花の描写が執拗なのは石田が俯きがちに下ばかりを見ているからで、その視点は姉・硝子の生存を願いながらも動植物の死体をカメラで撮り続けてしまう結弦の目にも憑依している。また、草花は石田を陰で見つめ慕い続ける勝気な女の子、植野直花の名前にもつながっていて、路上の花は彼女の報われない想いに捧げられているはず。監督が一番共感しているのは植野になんじゃないかな。 
脚本に関しては、他の方も指摘していた通りよくよく観ていけばいじめの元凶はメガネ教師ってわかるんだけど、悪の懲罰とは関係ないところで困難な状況の克服をすすめていくのが最高だと思う。悪者を指摘して叩くことの無意味さを教えてくれる。 
あと、やっぱり指摘しておきたいのは西宮硝子演じる早見沙織さんの演技の素晴らしさ。この映画の「重さ」は彼女の演技が担っている。言葉になるかならないかの微妙なところを上手く表現しているのには素直に驚いたし、クライマックスに硝子の発話がクリアになるところは二回観てもボロ泣きだった。

 

『裁かるるジャンヌ』と『聲の形』には同じ記号が描かれる場面がある。窓枠が、地面に映って十字架の形になるところだ。

硝子がすべてのトラブルの原因を自らに見いだし、自殺しようとするシーン。石田はベランダに佇む硝子に気づくと同時に、窓枠の影が十字を形作っていることを発見する。硝子が重い荷物を背負っていたことに気づく。

 

さらに、地面ばかり写す、つまり視点が下に向かっているのは、審問官や神学者たちの顔は下からのアップ、ジャンヌの顔は上から見下ろすようなアップで撮られていて、あたかもジャンヌを全員で上から取り囲んでるような印象を与える『裁かるるジャンヌ』のカメラワークを思い起こさせる。

西宮硝子は聞こえるべきものが聞こえないせいで疎外された。オルレアンの少女は聞こえるはずがない声が聞こえたことで魔女だと疎外され、そして処刑された。彼女達の関係は対をなしている。

映画ではオミットされいるが『聲の形』原作では自作映画を撮る話が出てくる。撮られたのは白黒のサイレント映画だった。

 

視点移動で感情を表そうとするセンスと音を聞こえない(聞こえる)ことによる受難劇。音があるはずのところに音がないという事実。

なにより、有罪者であるという感覚に、激しい罪悪感に打ちのめされながら、どうやって生の尊厳を示していくかという試みを描いていること。

少年マガジンに掲載されたマンガ原作のアニメ映画と、世界中の映画監督が愛したデンマークの伝説的映画が結びつくのは少しもおかしなことじゃない。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

・・・なんてね。

可愛い人、ぼくはほんのジョークのつもりだったんだ。

 

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